Max Corbacho ~ Nocturnes II (Silentsun, 2018)

Conocí a Max Corbacho con su disco The Ocean Inside. Por entonces quedé impresionado por la profundidad y la belleza de sus composiciones, y por la maestría artesanal que revelaba el resultado final de su trabajo. Lo más importante es que los paisajes sonoros de ese viaje imaginal a las profundidades del océano interior fueron envolviéndome y empapándome cada vez más a través del tiempo, convirtiéndose para mí en una obra esencial del ambient actual, y su autor, en una figura referencial y fuente de inspiración. Por lo cual he seguido cada uno de sus discos subsiguientes con mucho interés y anticipación. Desde entonces y antes de este Nocturnes II, ha habido cinco, y todos se han mantenido fieles a ese lenguaje tan personal de Max, tan lírico y contemplativo, así como a su excelencia como artífice de paisajes sonoros.

Pero lo que vuelvo a encontrar en esta segunda entrega de la serie Nocturnes es esa emoción especial, ese brillo o esa conexión que viví con The Ocean Inside. Este es un gran disco que vuelve a confirmar a Max como uno de los grandes de la escena del ambient mundial. Soy consciente de que serán necesarias muchas escuchas para ir penetrando en sus abismos, pero ya puedo intuir ese algo especial que me hace volver a él una y otra vez. Esta música es increíblemente relajante. Tal vez es eso, que aquí reencuentro al Max Corbacho más atmosférico y expansivo, ese que me subyugó con una pieza tan alucinante como «Towards the Bottomless Sea». Esto lo noto especialmente en los tracks primero y último, «Celistia» y «Moon Apparition», que son los más extensos, pero el tono se mantiene a lo largo de todo el disco. Es como disolverse en el espacio, como contemplar la anchura del cielo estrellado, de horizonte a horizonte, y perderse en la abierta infinitud de su bóveda. O como flotar en un no-lugar, sin límites, iluminado por la suave luz de la luna, o de una luminaria interior. Porque su música siempre me habla del mundo de dentro, del espacio interior. Y la noche que explora en sus Nocturnes es tal vez esa noche del alma, una que sólo ella percibe, acaso ante la belleza de la noche exterior, tan poblada en este disco de sonidos grabados de su natural y viva expresión. La magia es adentrarse en ese mundo en la soledad de tu escucha. Esa apertura que ofrece la música es un regalo, siempre de agradecer. La música es un portal a otros mundos, o esa es la música que a mí más me toca y me transporta. Gracias a ella y a su autor por tan gratas experiencias.

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Max Corbacho acaba de publicar Deep Time, su más reciente trabajo, con el que nos propone un nuevo e intenso viaje sonoro que, en esta ocasión, pretende ilustrar un mundo más terrenal que cósmico con una obra que en muchos sentidos se aleja de sus trabajos habituales. De nuevo Corbacho nos obsequia con sus oníricas atmósferas, plagadas de detalles, efectos y pinceladas harmónicas, pero en esta ocasión se aleja de las melodías y acordes a las que nos tiene acostumbrados, prestándose a la exploración de tendencias más abstractas y experimentales.

Se trata de un trabajo que, sin dejar de tener el característico sonido de la obra de Max, cobra aquí un interesante giro que hasta la fecha había quedado relegado a un segundo plano (la casi total ausencia de melodía) y que explota en toda su plenitud, evocando paisajes desolados y ambientes primigenios donde las densas texturas se combinan con sonidos naturales y grabaciones de campo enrarecidas. Aún con todo, el resultado no es tan frío y árido como cabe imaginar por la ilustración de su portada gracias a la abundancia de sonidos brillantes y misteriosos que pueblan la grabación y que, en general, suelen ser huella personal del meticuloso trabajo del artista.

Aunque las piezas de larga duración no son del todo ajenas en su discografía, también el formato se escapa de lo habitual en Deep Time, tratándose de una sola pieza que roza los 74 minutos y que se divide en tres pasajes. Sin embargo, la cantidad de variaciones a lo largo del álbum así como la multitud de elementos distintos que entran y salen de escena hacen que el disco resulte rico, fresco y lleno de matices, lo que provoca múltiples escuchas e incluso cierta adicción.

En mi opinión se trata de un álbum libre y sincero en el que Max ha sabido destilar gran parte de su experiencia y revitalizar su sonido sin perder su personal estilo sonoro. Además, debo presumir de haber participado en el tercer corte, titulado Carboniferous Dawn, donde parte del ambiente se apoya en variaciones de mi tema Subaquàtica II.

El artista afincado en Barcelona ha hecho coincidir el lanzamiento de este trabajo con el de la nueva web de AD21 Music, el sello discográfico que comparte junto a Bruno Sanfilipo y donde ya se puede descargar tanto este trabajo como casi toda su discografía (y también la de Bruno) en formatos Flac y mp3 al módico precio de 9,90€.

Nuevo trabajo de Max Corbacho, el fantástico compositor español, alumno aventajado de Steve Roach.

«BreathStream» es el titulo de este nuevo disco, un trabajo que continúa la senda marcada por su anterior disco «The Talisman».

Este compositor es un hombre que siempre nos ha sorprendido por la profundidad de sus composiciones, esos acercamientos a esos lugares subterráneos, oscuros, en ocasiones difíciles de llegar a ellos, pero que Max consigue transportarnos de manera excepcional a través de su música. «BreathStream» no es una excepción, es un disco donde el compositor a través de sus texturas y sus harmonías nos va trasladando por lugares inimaginables, por paisajes profundos y oscuros, por lo más profundo de nuestro ser.

Aquí nos encontramos más de setenta minutos de música repartidos en siete temas de sonidos profundos, siete temas de esos sonidos que solo músicos como Max Corbacho nos saben aportar y es que en este trabajo, con solo leer el título y comenzar a escuchar el primer tema («This Luminous Space») ya nos sirve para hacernos una clara idea de lo que aquí nos vamos a encontrar.

Magnífico disco para todos aquellos seguidores de esos sonidos más profundos y oscuros, que nos sirven para viajar por el espacio o para sumergirnos en lo más profundo de nuestro ser.

Hubo una época en que todo era silencio. Hay una parte del mundo donde casi todo es oscuridad. Hubo una época del tiempo en el cual la música era como la sangre: necesaria para la vida. Hay un hombre que se inspira en esto y en mucho más para crear.. .la música… su música: Max Corbacho.

Naciste en Badajoz aunque desde hace años vives en Cataluña. ¿Influye el lugar de nacimiento sobre la música sea el estilo que sea?

Creo que sí, de hecho, aún antes de nacer, en el vientre materno, ya estás recibiendo influencias del exterior. Imagínate entonces la importancia del entorno durante los primeros años de vida. En esa etapa de la vida estamos absorbiendo todo tipo de estímulos, los cuales formarán parte de nosotros el resto de la vida. No digo que sea el aspecto más importante que define nuestra personalidad pero sí uno de los principales. En mi caso concreto, siempre digo que la quietud de las noches en Extremadura, el silencio de los grandes espacios, la infinita variedad de formas en las que se manifiesta la naturaleza, me influyeron decisivamente.

¿Qué te llevó a dedicarte a la música y a no a otra cosa?

Siempre estuve vinculado a todo tipo de actividades artísticas, desde niño. Quizás la música es la más misteriosa de todas las artes, la más abstracta , inefable, y quizás eso fue lo que me impulsó a dedicarme a esto.

En 1.998 publicaste tu disco Vestiges, con un claro sabor a Steve Roach. De hecho, hay que considerarte como el alumno aventajado del estadounidense en España. Ambientes electrónicos se mezclan con percusiones subterráneas. ¿Por qué decidiste empezar así tu discografía?

Había descubierto la música de Roach muy poco tiempo atrás, y fue tal la fascinación que, mi estilo, por aquel entonces influenciado por artistas como Tangerine Dream, Richard Burmer, Neuronium, etc. giró de golpe hacia el ambient space.

¿Cómo fue el alumbramiento de Vestiges?

Por aquel entonces sólo disponía de un sintetizador Korg X5D, un Wavestation y un sampler Akai S2000. Eran los tiempos de los primeros home estudios, un concepto nacido gracias a la aparición de los PCs y las tarjetas de sonido. Con ese equipo y un secuenciador Cubase comencé a componer y grabar Vestiges. Estuve alrededor de un año metido en el estudio creando sonidos, editando en los sintetizadores, samplers, etc.

Una vez grabado, contacté con Freerecords, un sello que en realidad no era tal. Ellos simplemente gestionaban la edición del CD pero el dinero de todo ello lo pagaba el artista. Una vez editado lo envié a los pocos lugares que conocía. Internet por aquel entonces no era lo que hoy es, y la promoción fue prácticamente nula. fue al cabo de un año que, casualmente, Cliff Tuel, webmaster de Steve Roach, escuchó los clips en mi página web, le gustaron mucho y extendió el rumor entre la audiencia. A partir de entonces mi música comenzó a conocerse en USA principalmente.

Después de varios años ¿Cómo ves actualmente la música de Steve Roach?

Tan fascinante como el primer día, para mi oído. He escuchado alguna voz crítica comparando los antiguos trabajos con sus últimas producciones. Creo que su evolución es un caso aparte en la historia de la música electrónica. Nadie como él ha seguido innovando en cada trabajo y explorando en los límites desconocidos de la música de vanguardia.

¿El silencio es música?

El silencio lo contiene todo. Obviamente es la semilla de la que nace la música y cualquier manifestación, si entendemos el silencio como Vacío. Contiene toda posibilidad de ser.

Dos años después vio la luz Far Beyond The Inmobile Point. Este disco no contiene ningún tipo de ritmo. ¿Por qué este cambio? ¿Buscabas un acercamiento a tu ser más profundo?

Siempre me ha gustado ir contracorriente. Hubiera sido muy fácil hacer una segunda parte de Vestiges, de hecho estuve a punto de hacerlo. Pero quise dar un giro y dedicar mi disco a la otra cara de la música espacial-ambiental: los largos sonidos atmosféricos, envolventes, oceánicos. En Vestiges experimenté con ese concepto pero mezclado con percusiones tribales. En Far Beyond quise acercarme más a ese concepto. Entendía que en un solo disco, Vestiges, no había tiempo material para plasmar toda mi concepción de la música electrónica, por eso en Far Beyond quise acabar de exponer lo que no había cabido en el primer disco.

¿Se puede considerar la música como una droga?

No como una auténtica droga, pero sí como un psicotrópico, capaz de alterar nuestra mente. Creo que puede ser un vehículo hacia estados alterados de conciencia, un inductor, sí, pero no una droga propiamente dicha.

En el año 2.002 llega el disco The Resonant Memory Of Earth. En este disco podemos encontrar una mezcla de sonidos ya desarrollados en los dos anteriores. ¿Este álbum representa una consolidación de tu estilo?

En cierto modo sí. Intenté sintetizar en él todos los hallazgos sonoros de los dos primeros trabajos, y dar un paso más hacia adelante. En aquella época había ya adquirido lo que es la base de mi actual equipo, y creo que es el disco que más conecta con mi actual sonido. Además, intenté en él plasmar mi experiencia con sonidos naturales, grabaciones de campo, etc. fue también mi conexión con el sello norteamericano Space For Music, donde fue editado el trabajo, junto con el siguiente Nocturnal Emanations. Recuerdo esa época como un momento muy fructífero y creativo. Para mucha gente que escucha mi música es el mayor de mis trabajos. La verdad es que es un disco que me ha dado mucho.

Además en el disco podemos encontrar unas claras estructuras acústicas. ¿Musicalizar la Tierra es utilizar formas acústicas?

Por supuesto, yo solo he arañado éste concepto, pero hay quién a ido mucho más lejos en ésta búsqueda. Para mí, la música nace del silencio, tal y como hemos comentado anteriormente. Pero el silencio rara vez es absoluto, si nos tomamos un momento para detener nuestra mente y simplemente escuchamos, veremos cuán lleno de sonidos está el silencio, entonces podemos oír la estructura sonora de la tierra.

Hace unos meses un oyente de mi música me escribió. Me comentaba que al final, precisamente de The Resonant Memory of Earth, durante el fade out final, la música se había ido fundiendo con el sonido de su calefacción. Me comentaba que el efecto era fantástico. le dejó en un estado de absoluta quietud.

Tal como está la cosa ¿Cómo ves el futuro de nuestro planeta?

Confío en que un cambio en la conciencia global dé un giro al mundo. Soy optimista y creo que ya hay una manifestación de ese cambio en algunos sectores de la sociedad. Creo en el cambio individual y profundo de la persona. Es la única revolución posible.

Después llega Nocturnal Emanations. ¿Espiritualidad musical?

Tarde o temprano a todos nos alcanzan las grandes preguntas. A mi me llegaron entonces, y qué mejor vehículo para expresar esa búsqueda que la música. La creatividad de cualquier tipo, y por supuesto la musical, es una auténtica práctica de meditación que poco a poco va expandiendo tu conciencia. No en vano, músicos, actores, artistas plásticos, son la avanzada crítica hacia el sistema y el sector tradicionalmente más orientado hacia un cambio de paradigma. Nocturnal Emanations es mi trabajo más dark ambient, y cuadraba perfectamente con la lectura de la obra de Sri Aurobindo, uno de los grandes místicos indios. De hecho en el interior del díptico de Nocturnal Emanations se puede leer un verso de dicho autor, el cuál leí por primera vez mientras mezclaba el primer tema del disco «A Spark of Deity». La fusión de éste poema con la música me cautivaron al instante.

¿Qué es para tu música la noche?

Supongo que me haces ésta pregunta porque tú ya has oído esa conexión, la has experimentado. Existen varias experiencias que automáticamente nos conectan con algo que no entendemos a nivel racional pero que nos proporcionan un bienestar instantáneo a nivel espiritual, interno. Contemplar el mar, el inmenso y vacío desierto, un bosque húmedo y brumoso, y por supuesto, el firmamento en una noche despejada. Nuestra conciencia se alimenta de éstas sensaciones, apelan a un nivel interno más allá de las palabras y los pensamientos. En ese nivel se conecta mi música con la noche.

Con Indalo llegamos a tu amistad musical (y también humana) con Bruno Sanfilippo. ¿Cómo nació vuestra sociedad?

Bruno llegó a Barcelona de Buenos Aires y contactó con Freerecords para distribuir su música aquí. Ellos le dieron mis datos para que contactara conmigo. En España no había entonces nadie más que editara en nuestro estilo, así que fue muy fácil conectar a nivel profesional y, dada su calidad humana, también a nivel personal. La idea de unir fuerzas para promocional nuestra música fue un paso lógico en nuestra relación. Hemos estado complementando nuestra visión de la música electrónica desde entonces.

Indalo es el resultado de la unión de dos mentes musicales casi iguales. ¿Cómo fue el trabajo compositivo de esta obra de arte musical?

Bueno, es sabido que hicimos un viaje juntos por el sur de España, y disfrutamos mucho de los paisajes desérticos de Almería, y del parque natural de Cabo de Gata . Por aquel entonces yo llevaba mi grabadora de sonidos siempre conmigo, a la caza de cualquier sonido interesante. Imagínate a dos locos de la música electrónica juntos en un viaje y con una grabadora estéreo de alta calidad. No parábamos de colocar los micros en cualquier sitio y a cualquier hora. Una vez ya en Barcelona, decidimos aprovechar esos sonidos y crear un disco basado en esos lugares.

El proceso de creación se basó principalmente en la creación de pistas cada uno en su estudio por separado y luego, en uno de los dos estudios se hacían mezclas improvisadas. Algunas cuajaron y otras no, otras se retocaron un poco, se añadieron más pistas, y se llegó así al producto final. Es un trabajo de experimentación principalmente. Siempre nos han dicho que la mezcla final es muy rica y en cada escucha puedes descubrir nuevos detalles.

Una vez terminado, sabíamos que no iba a ser un trabajo fácil para los oyentes. Es muy árido, oscuro y luminosos a la vez, y tiene una profundidad sonora impresionante.

Moontribe son algo más que la recopilación de temas no antes publicados. Cuéntanos.

Estuve trabajando en unas pistas para colaborar con un par de artistas. Trabajé duro en el estudio pero finalmente, el proyecto no cristalizó y guardé en el cajón los tracks. Al cabo de unos meses, ya componiendo el nuevo disco, escuché éstas pistas y ví claramente que debía aprovecharlas. Me puse a completarlas, añadía algunas capas y compuse dos temas nuevos para tener un CD entero. Así nació Moontribe. Luego mucha gente me dijo que menos mal que no tire esas pistas a la basura.

¿Qué lleva a un músico a guardar temas en el cajón?

Cuando compones un tema, lo tocas mil veces, lo escuchas otras tantas, y luego intentas mezclarlo para que suene equilibrado, así que lo vuelves a oír otras mil veces. Para entonces, estás tan metido entre los árboles que no puedes ver el bosque. Muchos de los temas que a priori te habían parecido increíbles comienzan a sonarte verdaderamente mal, sin fuerza, ya no te causan ninguna impresión y decides borrarlos de tu disco duro.

Eso es lo que pasa cuando comienzas en tu carrera. Pero un día escuchas un tema que no habías borrado por descuido al cabo de un año más o menos, uno de esos temas que al final habías descartado. Y voilá! Te suena perfecto, fresco, desconocido, misterioso, como si fuera de otro artista. Es una lección que aprendí hace tiempo y ahora es raro que borre un tema, aunque me parezca muy malo. Tengo el disco duro atestado de éstos temas, así como en el secuenciador, esperando su momento. Normalmente los dejo reposar un año, dos, incluso más. Y algún día, tranquilamente, los oigo de nuevo. Si salta la chispa, los rescato, si necesitan un retoque lo hago, o simplemente masterizo y ya está. Todos mis nuevos trabajos están llenos de esos tracks que en un principio no entraron en ningún proyecto.

Y llegamos a tu última creación: The Talisman. ¿Qué te lleva a crear estos temas tan profundos dentro del espacio que te rodea?

Creo que es un paso más en mi evolución artística y personal. En lo artístico, estuve experimentando y profundizando en mis conocimientos de armonía musical. Encontré nuevas formas de composición y experimentación sonora, profundicé en algunas técnicas de producción como el looping, los largos ecos y reverberaciones, etc. A nivel personal he continuado con mi particular revolución interior. Además coincidió con un período en el que tuve mucho tiempo para dedicarlo de lleno al estudio. Todo ello es el caldo de cultivo en donde «The Talisman» fue creado. He de decir que éste trabajo me ha abierto muchas puertas, y me ha dado a conocer más que ninguno de los anteriores. Estoy verdaderamente contento con el resultado.

¿Un deseo?

En lo artístico, continuar componiendo y conectando con la audiencia igual que hasta ahora. Y ya en general, realmente, y teniendo en cuenta los tiempos convulsos que vivimos ahora mismo, mi deseo es que cada cual inicie un cambio que nos lleve entre todos a solucionar los problemas de éste fascinante mundo en el que vivimos.

¿El futuro de Max Corbacho músico?

Acabo de publicar «BreathStream», un nuevo trabajo más o menos en la línea de «The Talisman» pero más pausado si cabe, más introspectivo. He utilizado prácticamente la misma instrumentación, con alguna incorporación nueva como un sintetizador, Novation Supernova y poco más. La creación a seguido el mismo proceso que los anteriores, es decir, mucho trabajo de edición de sonidos en los sintetizadores y la siguiente composición en base a ellos, mucho looping y largas reverá. También he rescatado alguna de esas piezas en reposo de las que antes hablábamos, como la que cierra el álbum, «Pure Being». El resultado es un trabajo reposado, que evoca una larga y quieta respiración, de ahí el título. Espero que os guste. Un saludo a todos.